At the Sea
Conclusion
Plus de douleur que de récompense émotionnelle.
Lieu : Festival de Berlin (Compétition)
Distribution : Amy Adams, Murray Bartlett, Chloe East, Brett Goldstein, Dan Levy, Redding L. Munsell, Jenny Slate, Rainn Wilson, Henry Eikenberry, Eliz Mundruczó, Pál Frenák
Réalisateur : Kornél Mundruczó
Scénariste : Kata Wéber
1 heure 54 minutes
Mundruczó, dont le film le plus mémorable reste l’allégorie politique à dents aiguisées White God, place la plupart des actions sur Cape Cod, un lieu tranquille où toute cette eau et cette lumière douce et enveloppante pourraient être attendues d’avoir des pouvoirs de purification. Pour Laura, interprétée par Adams, ses propriétés réparatrices sont compromises par des souvenirs omniprésents de son enfance malheureuse, dont beaucoup sont directement liés à la magnifique maison estivale de la famille.
Non pas parce que cela semble logique que quiconque agirait ainsi juste après être rentré chez lui après une longue période dans une clinique de réhabilitation, mais parce que le public nécessite un petit rappel contextuel rapide, Laura entre dans le studio de danse séparé de la maison principale et joue un enregistrement DVD qui se trouve à portée de main.
C’est une sorte d’hommage à l’héritage de son défunt père, Ivan Baum (Pál Frenák), le « cœur et l’âme » de la légendaire compagnie de danse qui porte son nom et un artiste provocateur connu pour sa chorégraphie controversée — code pour « agressif ».
Laura, elle-même danseuse, a porté la torche de la compagnie depuis sa mort. Dans un clip d’interview, elle révèle de manière désinvolte que les deux principaux artistes qui ont créé une pièce de danse célébrée avaient une liaison avec son père à l’époque. Lorsque le travail a été achevé, Laura raconte qu' »ils se sont battus comme deux scorpions », spéculant que l’énergie combative magnifique sur scène pourrait avoir été la motivation de son père pour en faire des rivaux sexuels.
Des éclats de mémoire montrés en flashbacks suggèrent la peur et la vulnérabilité de Laura en tant que jeune fille (interprétée par la fille des réalisateurs, Eliz Mundruczó), aux côtés d’indications sur les lacunes narcissiques et parfois violentes d’Ivan en tant que parent. Son alcoolisme semble avoir conduit Laura à boire secrètement de l’alcool dès son enfance. Lorsque son ami proche et associé de la compagnie Baum, Peter (Dan Levy), se réfère plus tard à Ivan comme à un « accro à la vitesse », Laura reconnaît librement qu’il était « un addict à haut fonctionnement ».
Tôt dans le film, des images d’une voiture retournée dans une rue de la ville pointent vers des révélations sur l’événement déclencheur qui a marqué le point le plus bas de Laura. Sa fille de terminale, Josie (Chloe East), est brève et peu communicative avec elle, en colère contre l’espace que le drame de sa mère a pris dans la vie des autres. Le jeune fils de Laura, Felix (Redding L. Munsell), au début garde ses distances ou est maussade et mal à l’aise autour d’elle.
La réunion avec son mari Martin (Murray Bartlett) est plus complexe. Il l’aime mais craint de la perdre à nouveau, tandis qu’elle semble mal à l’aise avec l’intimité, apparaissant souvent froide. Tous les membres de sa famille semblent remettre en question son engagement à rester éloignée de son chemin autodestructeur.
Laura se reconnecte avec son amie Debbie (Jenny Slate), une survivante du cancer du sein qui a obtenu la magnifique maison de Cape Cod lors de son divorce avec George (Rainn Wilson). Président de la compagnie Baum, George en a marre de combler le déficit des dons philanthropiques avec son propre argent ; il exprime la frustration de tout le monde dans l’organisation face à l’absence prolongée de Laura de sa direction artistique et son refus de donner une date de retour.
George et d’autres rappellent à Laura que la compagnie de danse est en danger de disparaître, tout en cherchant à acheter la maison familiale, capitalisant sur le trou financier dans lequel ses amis sont tombés — en partie à cause des factures de la retraite de réhabilitation huppée de Laura. Martin est peintre, ayant mis son art de côté pour faire des travaux de jardinage pour les riches amis de Laura.
Tant de ressentiment. Tant de pression. Tant de drame déprimant. La luminosité naturelle d’Adams vous pousse à continuer de la soutenir, mais le film devient d’un ton monotone, répertoriant les dommages de Laura plutôt que de façonner un voyage modulé qui va réellement quelque part au-delà de l’évident. Mundruczó est plus attentif au désordre qu’à son émergence.
Certaines scènes n’apportent tout simplement pas grand-chose. Cela inclut une rencontre avec Keegan (Brett Goldstein, gaspillé), un Britannique amical faisant voler des cerfs-volants sur la plage — les cerfs-volants jouent un rôle symbolique lourd dans les flashbacks — à qui Laura confesse que l’alcool était son seul moyen de lâcher prise. Keegan tend une oreille compatissante à son histoire récente tourmentée et à sa récupération précaire, partageant qu’il est sobre depuis un an et demi en raison d’une addiction à l’héroïne.
Le fil dramatique le plus robuste est la tension entre Laura et Josie, qui a dû intervenir et agir comme une mère envers Felix pendant son absence, manquant ainsi sa chance d’obtenir une bourse pour son université choisie. Josie est aussi danseuse, et lorsqu’elle s’impose une chorégraphie physiquement éprouvante dans le studio, elle essaie de blesser sa mère.
Cette scène fonctionne mieux que leur pas de deux sur la plage, qui est joli mais un peu embarrassant, et une séquence de personnes aléatoires se mettant à danser de manière torturée dans une rue venteuse est plutôt gênante.
Il est gratifiant que Mundruczó et Wéber n’adoptent pas la voie plutôt prévisible de déverser une grande révélation de traumatisme d’enfance à la fin, même s’ils semblent néanmoins taquiner cette promesse. La plupart de ce que nous apprenons est déjà là dans la voix off d’ouverture de Laura sur le fait que les enfances heureuses ne sont que quelque chose que nous nous racontons.
Mais la dynamique familière d’une fille invisible pour son père artiste égocentrique — voir Sentimental Value pour un exemple supérieur — fait que At the Sea semble dramatiquement décevant, voire creux, bien qu’Adams soit touchante alors que Laura exprime son remords pour la façon dont elle a laissé ses enfants la voir pendant des années.
Le directeur de la photographie français Yorick Le Saux donne au film un aspect propre et sans fioritures, avec la douce lumière de Cape Cod suggérant un monde estompé par le soleil, et les mélodies douces de Sacha et Evgueni Galperine ne deviennent jamais envahissantes avec les élans émotionnels. Une musique supplémentaire est utilisée par le compositeur japonais Joe Hisaishi, connu pour ses longues collaborations avec Hayao Miyazaki et Takeshi Kitano.
C’est avant tout un film axé sur les performances, qui bénéficie d’une distribution attrayante, même si elle semble généralement surqualifiée pour ses rôles. Au moins, Levy apporte un humour bienvenu. East et Munsell, en tant qu’enfants de Laura et Martin, ont les moments les plus touchants. Mais Adams est le principal facteur qui rend At the Sea regardable, même si ce n’est pas aussi captivant qu’il devrait l’être. Elle apporte une grâce fracturée à Laura qui évolue progressivement vers ce qui ressemble à une acceptation paisible.
