Critique de ‘Wolfram’ : Warwick Thornton Réinvente Habilement l’Expérience Ailée des Aborigènes Australiens à Travers le Prisme des Archétypes Classiques du Western

Un cinéaste expérimenté avant de se tourner vers la réalisation, Warwick Thornton possède une sensibilité pour le désert central australien et les chaînes de montagnes escarpées MacDonnell qui est à la fois épique et intime. Son sens raffiné de la composition est directement influencé par le paysage entourant Alice Springs où il a grandi, et sa connexion souterraine à cet endroit imprègne ses films d’une beauté pleine d’âme. Wolfram ne fait pas exception. Une saga en quatre chapitres d’évasion, de poursuite et de survie, le film, malgré toute sa brutalité, devient finalement moins un chant de lamentation pour des terres volées et des enfants enlevés qu’un récit émouvant d’endurance.

La famille et la communauté constituent le fondement thématique de cette sorte de suite au drame de Thornton de 2017, Sweet Country, à nouveau coécrit par Steven McGregor et David Tranter. Cela reprend quelques années après les événements du film précédent dans la même ville fictive du Territoire du Nord, Henry, bien que presque tous les personnages principaux ici soient différents. Cela donne aux deux films l’impression d’une carte ancestrale partagée, marquée par des chevauchements et des tangentes divergentes.

Le centre nominal cette fois est Pansy, interprétée avec un regard expressif et peu de mots par l’inestimable Deborah Mailman, d’abord vue tenant son nouveau-né et coupant des mèches de cheveux avec un couteau rouillé. Sans préambule ni exposition, Pansy et son nouveau partenaire Zhang (Jason Chong) partent en charrette vers le Queensland, leur dernière chance de retrouver ses enfants disparus. Elle perle les tresses de cheveux avec des graines, les accrochant aux buissons pour marquer le chemin, tel un sentier de miettes de pain.

Parallèlement, les enfants autochtones travailleurs Max (Hazel May Jackson) et Kid (Eli Hart) taillent les murs d’un étroit puits de mine, retirant des morceaux du minerai utilisé pour fabriquer du wolfram (désormais plus couramment connu sous le nom de tungstène) pour leur patron irascible Billy (Matt Nable).

Une autre intrigue suit l’arrivée à Henry des criminels Casey (Erroll Shand) et Frank (Joe Bird), tout en attitude méchante et en arrogance, alors qu’ils cherchent à établir une revendication dans la région et prospecter de l’or. Ignorant les conseils du boutiquier local (John Howard) d’éviter les chemins arrière où ils risquent de croiser des « Blackfellas sauvages », ils s’en vont dans cette direction. Lorsqu’ils rencontrent le jeune Max, laissé pour surveiller le camp de Billy, Casey et Frank volent le camp et emmènent l’enfant de force avec eux.

Une fois Kid découvre que son frère est parti, il vole un âne sur le site minier et part à sa recherche, son épilogue facilité par une morsure de serpent opportun.

Un peu plus loin sur un terrain de bétail en ruine, le buveur belliqueux Kennedy (Thomas M. Wright) bénéficie du quasi-esclavage de son fils métis de 18 ans, Philomac (Pedrea Jackson), les deux personnages principaux étant des rémanences de Sweet Country. (Philomac, alors âgé de 14 ans, était joué par des jumeaux Tremayne et Trevon Doolan.)

Lorsque Casey et Frank arrivent, ils prennent en quelque sorte le contrôle, prétendant avoir trouvé Max errant seul. Kennedy est étrangement déférent envers les étrangers alors qu’ils commencent à antagoniser Philomac, dont les soupçons à leur égard se confirment lorsqu’il parle seul à Max.

Tout comme il le faisait dans Sweet Country, Thornton évoque l’anarchie style Old West de l’époque et du lieu, particulièrement alors que le méchant dédaigneux Casey et le foutu Frank passent d’une menace vague à une cruauté manifeste. Leur traitement impitoyable du petit voleur noir Archie (Gibson John), un autre vestige de Sweet Country, choque Philomac et le pousse à l’action alors que le film passe à un thriller de poursuite. Du sang est versé dans des meurtres à la fois horrifiques et gratifiants. Dans ce dernier cas, Thornton reprend la dignité des Australiens des Premières Nations avec une image émouvante de force.

Une bonne partie de l’histoire provient de l’histoire orale transmise par son arrière-grand-père à Tranter, dont les racines familiales des deux côtés — autochtones et chinois — entrent en jeu. Cela dit, la narration semble un peu sans forme par moments et les tournants de l’intrigue — à l’exception d’une révélation surprise dans la Partie Quatre — sont souvent familiers.

Le nombre de personnages significatifs et de fils narratifs rend difficile pour le réalisateur et les scénaristes de se concentrer et de maintenir cette concentration jusqu’à ce que les fils soient cousus ensemble. Mais même lorsqu’il avance lentement plutôt qu’à toute vitesse, le cœur et l’intégrité du film gardent Wolfram captivant, soutenu par le travail remarquable de l’ensemble de la distribution.

Pedrea Jackson, arborant une excellente moustache, est exceptionnel en tant que Philomac, contemplatif, observateur, bouillonnant d’indignation et désireux d’être avec son peuple ; Shand rend Casey terriblement méprisable, traitant les personnages aborigènes comme des animaux ; malgré son rôle largement symbolique, Mailman est profondément émouvante, sa grâce et sa tranquille force représentant d’innombrables mères dont les enfants ont été enlevés ; et les jeunes acteurs jouant Max et Kid sont formidables.

Deux prospecteurs chinois d’or introduits vers la fin, Shi (Ferdinand Hoang) et Jimmi (Aiden Du Chiem), témoignent d’un sentiment de solidarité parmi les victimes de discrimination. Ils deviennent une partie essentielle d’une conclusion touchante, qui peut-être résout l’histoire trop soigneusement, mais peu seront indifférents à voir des gens si déshumanisés par la règle coloniale montrer leur résilience.

Thornton sert à nouveau comme son propre directeur de la photographie, tirant de la texture de la riche palette de rouges, oranges, ors et bruns dans le paysage frappé par le soleil. Le film n’a pas de bande originale à proprement parler mais utilise de manière distinctement atmosphérique le jeu de scie de Charlie Barker. Le directeur n’a toujours pas surpassé la simplicité poétique de son acclamé premier film en 2009, Samson & Delilah. Mais Wolfram représente une entrée très solide dans son impressionnant corpus et un retour à la forme après son dernier long-métrage plus inégal, The New Boy.