Critique de « Frankenstein » : Guillermo del Toro élève l’horreur dans une adaptation émotionnelle de Mary Shelley, portée par Oscar Isaac et Jacob Elordi.

Frankenstein

Les influences de l’horreur gothique ont résonné à travers le travail envoûtant de Guillermo del Toro depuis que le fantasiste mexicain a fait son apparition avec Cronos, The Devil’s Backbone et Pan’s Labyrinth. La rencontre du scénariste-réalisateur avec le roman immortel de Mary Shelley de 1818 a été longtemps attendue et, après trop d’adaptations cinématographiques pour être énumérées, cela ressemble à un acte de réanimation chargé d’électricité. La retelling somptueuse de Frankenstein par l’artisan qui défie les genres honore l’essence du livre, en ce sens qu’elle n’est pas vraiment un pur film d’horreur, mais plutôt une tragédie, une romance et une réflexion philosophique sur ce que signifie être humain.

Les pères absents ou imparfaits ont été un thème récurrent dans les films de del Toro, subissant ici un traitement touchant dans la relation agonisante entre le scientifique égoïste Victor Frankenstein et la Créature sans nom qu’il ramène à la vie à partir de parties de corps cousues ensemble.

Ces rôles sont interprétés, respectivement, par Oscar Isaac avec l’intensité nerveuse d’un artiste torturé, son arrogance flamboyante consumée par le remords ; et Jacob Elordi dans une performance révélatrice remarquable pour sa physicalité expressive mais peut-être encore plus pour son innocence, son profond désir et le vide écrasant qui suit alors que la Créature commence à comprendre qui elle est. Le film questionne si la monstruosité est quelque chose défini par l’apparence ou les actions.

Outre sa force émotionnelle, le Frankenstein de del Toro est un film de plaisirs sensoriels enivrants. L’imagination visuelle célébrée du réalisateur — canalisée par un travail exceptionnel de collaborateurs réguliers, notamment le directeur de la photographie Dan Lausten, la designer de production Tamara Deverell et la costumière Kate Hawley — ravit constamment les yeux. L’utilisation audacieuse de couleur, en particulier les rouges et verts saturés qui brûlent les ombres, est à couper le souffle. Pendant ce temps, les oreilles sont massées par une bande originale orchestrale musclée, parmi les plus envoûtantes d’Alexandre Desplat.

Décomposée en un prélude et deux parties dont la perspective est évidente dans leurs titres, Le Récit de Victor et Le Récit de la Créature, l’histoire commence dans l’Arctique, où un capitaine de mer danois (Lars Mikkelsen) supervise les tentatives de son équipage pour dégager leur navire de la glace. En enquêtant sur un feu aperçu à travers la toundra, ils découvrent Victor, le personnage joué par Isaac, blessé et près de la mort, bien que ses chiens de traîneau ne soient pas blessés. (Sa prothèse en bois et métal semble un clin d’œil direct au personnage de Marisa Paredes dans The Devil’s Backbone, l’un des nombreux échos de la filmographie de del Toro.)

La Créature enragée apparaît presque comme un géant, une forme caparaçonnée et haussée, enveloppée dans des fourrures animales. “Victor. Amène-le à moi,” grogne-t-il, écartant les membres de l’équipage qui l’attaquent et lui tirent dessus, utilisant sa force colossale pour incliner le navire. Lorsqu’une salve le terrasse et qu’il tombe à travers des fissures dans les eaux glacées, le capitaine suppose que leur ennemi est mort. Mais Victor lui assure que la Créature ne peut pas mourir et reviendra ; il implore les Danois de le laisser sur la glace et de le laisser prendre.

Victor raconte son histoire au capitaine, commençant par son enfance sur un grand domaine familial qui a depuis été perdu. Sa mère française était son monde entier jusqu’à ce qu’elle meure en donnant naissance à son deuxième fils. Cela laisse le jeune Victor (Christian Convery) à la merci de son père froid et disciplinant, Leopold Frankenstein (Charles Dance), un médecin britannique distingué qu’il soupçonne d’avoir sauvé son frère infant au prix de la vie de sa mère.

L’action avance pour retrouver Victor en 1855, s’adressant au Royal College of Medicine, démontrant son succès précoce à réanimer des tissus morts. L’établissement médical perruqué se moque de l’idée qu’il prenne le contrôle des forces de la vie et de la mort. Mais pour des raisons allant au-delà de l’intérêt scientifique, qui deviennent plus claires plus tard, le marchand d’armes riche Heinrich Harlander (Christophe Waltz) est suffisamment intrigué pour financer les recherches et expérimentations en cours de Victor.

Vers cette époque, le jeune frère promis à un bel avenir de Victor, William (Felix Kammerer), réapparaît, maintenant fiancé à la nièce d’Heinrich, Elizabeth (Mia Goth), dont l’intellect acéré et la curiosité scientifique captivent instantanément Victor.

L’entrée de Goth, vêtue d’une magnifique robe bleu paon et d’une coiffe en plumes, lui donne l’apparence d’une créature d’un autre monde. C’est le premier d’une série de looks pour Elizabeth créés par la costumière Hawley — une tenue vailée vert mousse et une robe de mariée blanche ornée de bijoux parmi elles — qui représentent la beauté autonome comme une figure sortie d’un conte de fées.

Bien que la couronne de « reine de l’horreur » de Goth soit bien établie, del Toro semble avoir vu quelque chose de plus dans l’actrice, une intelligence franche, un esprit et une force qui renforcent la délicatesse de son personnage en porcelaine.

L’adoption par Elizabeth de couleurs rappelle une image saisissante de la mère de Victor sur les marches de la maison ancestrale, enveloppée de rouge sang avec un long voile flottant dans le vent. Cela la marque également comme une penseuse libre, tout comme le sombre et séduisant Victor dans ses vêtements chic en noir et blanc avec des accents rouges ; il porte ses vêtements ajustés comme une rock star, contrairement aux autres hommes de l’époque dans leurs tweeds encombrants.

Il y a des visuels à couper le souffle tout au long ; l’un des plus frappants d’entre eux est le vaste laboratoire construit pour Victor dans un château isolé en Écosse. (Presque tous les décors de Deverell ont été construits physiquement à partir de zéro, comme le navire danois, ou des composites de structures existantes, et non des fabrications en image de synthèse.)

S’inspirant du classique « laboratoire de scientifique fou » tout en élevant le cadre avec le type de détails atmosphériques pour lesquels del Toro est célèbre, les designers équipent l’espace de conducteurs d’éclairs en argent attachés à une tour externe, des machines à vapeur et d’énormes cylindres de convecteurs verticaux. L’inscription latine sur la façade du bâtiment — « Aqua est vita » — est appropriée pour une expérience née d’un orage.

Victor choisit initialement des parties de corps appropriées chez des hommes condamnés juste avant leur pendaison. Mais alors que la guerre de Crimée s’intensifie, les champs de bataille fournissent une vaste gamme de cadavres mutilés, avec suffisamment d’hommes forts et longs auxquels il a besoin.

Plutôt qu’une tête simplement cousue à un corps et recâblée avec un nouveau cerveau, la Créature de Victor ressemble à une tête de phrénologie en céramique attachée à une sculpture en marbre patchwork vêtue uniquement d’un pagne de bandages. Le long Elordi habite le design de la créature de Mike Hill avec un mélange séduisant de maladresse et de grâce, mais tout aussi notable, une sensualité qui rappelle la charge érotique que del Toro et Hill ont donnée à l’homme-poisson amphibie dans The Shape of Water.

Il existe une vulnérabilité déchirante dans la Créature dès ses premières apparitions, s’émerveillant comme un bébé devant de nouvelles découvertes comme l’eau ou les feuilles. Victor le garde enchaîné dans une grande zone de détention, pour la sécurité de son créateur et de sa création. Lorsque Elizabeth le découvre là, comme si attirée par instinct, il est enchanté par sa présence éthérée tandis qu’elle semble deviner l’humanité innée de la Créature.

Mais il émerge rapidement que Victor n’avait pas beaucoup réfléchi à ce qui se passerait au-delà de la création. Cela percute sa confiance lorsque William se demande : “As-tu déjà pensé, de toutes les parties qui composent cet homme, quelle partie contient l’âme ?”

Del Toro reconnaît le chef-d’œuvre de James Whale de 1931 portant le même titre comme une influence formative et sa version puise également dans sa suite, sans doute encore meilleure, Bride of Frankenstein de 1935. Cela devient évident dans Le Récit de la Créature, lorsqu’il s’échappe du château et trouve refuge dans une ferme isolée avec un vieux homme aveugle (David Bradley, merveilleux), ravi d’avoir de la compagnie. Un des moments les plus touchants du film est lorsque la Créature apprend le mot “ami.” Ce n’est que le début de son éducation, avec des livres ouvrant un monde entier de langage et de connaissance.

Le grand chagrin de l’histoire est l’incompréhension entre “père et fils”, mais l’expérience dévastatrice de perte de la Créature élève le pathos à un autre niveau.

La désolation qui l’envahit lorsqu’il découvre à travers le carnet de Victor qu’il est « un misérable assemblé à partir des déchets et des rebuts de la mort » est exacerbée par la réalisation que la mort absolue lui restera inaccessible, lui refusant un remède à sa douleur. Lorsque des chasseurs l’abattent à un moment, ses pensées intérieures émergent comme un tourment éternel brûlant : “Il y a eu à nouveau du silence, puis une vie implacable.”

La citation de Byron avec laquelle del Toro clôt le film — “Et ainsi le cœur se brisera et vivra néanmoins brisé” — indique clairement la vision du réalisateur sur Frankenstein comme une tragédie romantique opératique. “Je ne peux pas mourir. Et je ne peux pas vivre seul,” dit la Créature à Victor lors d’une confrontation fatidique. Les sombres et émouvantes yeux d’Elordi transmettent une tristesse perçante qu’on n’avait pas ressentie chez ce personnage depuis le travail hanté de Boris Karloff dans les films de Whale, qui a fait de lui l’un des ancêtres de l’écran du monstre pitiable.

Il y a également une complexité dans l’éventail émotionnel de la performance émotive d’Isaac en tant que Victor, un fils traumatisé qui, en tentant de jouer à Dieu, engendre son propre fils traumatisé dans le laboratoire. La chute de ce génie visionnaire dévasté par les conséquences de ce qu’il a fait est une tragédie tout aussi triste que celle de la Créature.

Un des meilleurs films de del Toro, c’est une narration à l’échelle épique d’une beauté, d’un ressenti et d’un art peu communs. Bien que Netflix donne à ce festin visuel seulement une durée théâtrale de trois semaines avant son début en streaming, il est impératif de le vivre sur grand écran.